La portée, les clés et les mesures en musique

Impossible d'apprendre, de jouer et d'écrire de la musique sans parition, donc sans portées divisées en mesures et portées par une ou plusieurs clés.

Sur une partition, ce sont probablement les éléments les plus indispensables aux autres. Les musiciens peuvent écrire et lire les notes de musique selon des règles bien précises.

Nous allons ici aborder le point de départ des cours de solfège, c'est ici que tout commence. La portée permet d'écrire et de lire la musique. Elle est divisée en mesure, c'est la base de la pulsation rythmique et la clé de sol, de fa ou d'ut permettra l'écriture et la lecture des notes de musique. Ici on va donc voir les éléments indispensables pour écrire et lire la musique : la portée, la clef, le rythme et la mesure.

Voici juste après cette introduction le sommaire. Il est très important de bien assimiler toutes ces connaissances de base car vous aurez tôt ou tard à lire une partition et donc à la comprendre. Ceci est d'autant plus vrai quand vous jouez dans un groupe. Par exemple, si vous ne comprenez pas les signes de renvoi ou si vous ne lisez pas les mêmes notes depuis la même partition de la même manière, alors il va y avoir de gros problèmes :).

 

Par définition, une portée musicale est un ensemble de cinq lignes horizontales parallèles sur lesquelles les notes de musique sont écrites. Elle se traduit donc par le tracé de 5 lignes horizontales et parallèles donnant ainsi naissance à 4 interlignes. Elle est un outil essentiel et indispensable pour la notation musicale. Elle permet aux musiciens de comprendre visuellement la structure de la musique, y compris le rythme, la mélodie et l'harmonie.

La portée se lit de bas en haut : la première ligne est donc celle du bas et la cinquième étant celle du haut. L'objectif et l'utilité d'une portée est donc tout simplement de pouvoir écrire et lire la musique.

 

La portée n'est pas limitée à 5 lignes : des lignes supplémentaires peuvent être rajoutées Le nombre de lignes supplémentaires n’est pas limité. On évitera toutefois d’en écrire trop : dans ce cas, on pourra changer de clef pour faciliter la lecture des notes concernées.

 

Exemple de lignes supplémentaires supérieures et inférieures

Un système

Lorsqu'un instrument utilise deux portées (comme le piano ou la harpe), on les réunit grâce à une accolade. C'est ce qu'on appelle un système. Pour des systèmes plus complets, avec plusieurs instruments qui jouent ensemble, on utilise un crochet. Il est également placé à gauche des portées.

Qu'écrit-on sur une portée en musique ?

La portée musicale est composée de plusieurs éléments. Le premier est les lignes de la portée elle-même. Chaque ligne de la portée représente une note spécifique. Les notes sont écrites soit sur les lignes, soit dans les espaces entre les lignes autrement-dit les interlignes.

En plus des lignes, la portée musicale comprend également une (ou des) clé(s), des notes, des silences, des altérations, des liaisons entre les notes, des indications de rythme, de jeu et d'interprétation et bien d'autres choses encore. Ainsi vont figurer figurer un ensemble de symboles musicaux.

Les clés (clé de Sol, clef de Fa...) permettent d'indiquer le nom des notes mais aussi leurs hauteurs. Les notes représentent les sons individuels de la musique et les symboles (ou figures de notes) utilisés (ronde, blanche...) vont définir la durée. Il y a bien entendu les figures de silence pour laisser respirer la mélodie. C'est donc ici la naissance du rythme donné à la mélodie. Il y a enfin des notions de jeu, de nuances... qui indiquent comment ces notes doivent être jouées.

Certes, sans portée il n'y a pas de musique, sans clef non plus ! La clef est le premier symbole indispensable à l'écriture musicale qui doit figurer sur une portée. La clef à plusieurs rôles : celui de donner un nom et d'indiquer la hauteur des notes de musique.

La clé est le premier symbole essentiel et indispensable à une portée

Comme mentionné précédemment, les clés sur une portée musicale indiquent la hauteur des notes. Il existe pricipalement deux types de clés : la clé de sol et la clé de fa. En plus de la clé de sol et de la clé de fa, il existe également la clé d'ut (clé de Do), qui est utilisée pour les notes de moyenne hauteur. Cependant, cette clé est rarement utilisée en variétés ou Jazz. En tout cas, sur Musiclic, j'aborde principalement la clé de sol et de fa.

Lire les notes sur une portée musicale peut sembler intimidant au début, mais avec de la pratique, cela deviendra une seconde nature :-). Chaque ligne et interligne de la portée représente une note spécifique. L'ordre des notes sur la portée dépend de la clé dans laquelle la musique est écrite.

Une métaphore pour comprendre l'utilisation des clefs

La position des notes sur les clefs est comparable à la montée d'une échelle : imaginez que l'échelle posée devant vous corresponde à votre clavier de piano et que chaque « marche » représente une note. Les premières marches (donc les notes) les plus « basses » seront les plus « graves ». Vous êtes sur la partie de l'échelle qu'on pourrait nommer « Clef de F ».

Plus vous montez, plus les notes perdent de leurs graves et gagnent en "aigü". Vous montez alors peu à peu vers la Clef de G. Puisqu'il existe plus de lignes que de notes, il est facile de comprendre que chaque note peut être jouée à des hauteurs différentes.

La hauteur de la note correspond à l'endroit où vous êtes situés sur l'échelle.

Pendant votre ascension, vous passerez obligatoirement sur le C moyen, c'est le C qui se situe au milieu d'un clavier de piano.

La clef de G

On utilisera la clef de sol pour placer les notes mediums et aiguës. On l'appelle ainsi car la clef définit l'endroit où se trouve le G, c'est à dire sur la deuxième ligne de la portée (ici en rouge). Il existe également une clef de Sol sur la première ligne, mais elle est beaucoup moins utilisée.

A partir de la clef et de la note de référence qu'elle indique (le G), il est facile d'en déduire les autres notes (celles situées au dessus et au dessous). ce sont des notes et seules leurs hauteurs (plus graves ou plus aigües) sont modifiées. Il n'y a aucune autre incidence, surtout pas de durée. La durée d'une note est indiquée par les figures de notes (noire, blanche...). Dans l'exemple ci-dessous, la note C est jouée trois fois de suite, mais à trois hauteurs différentes. La première note (le C moyen) est plus grave que la seconde qui est plus grave que la troisième.

Voici une représentation de notes de musique sur une portée en clef de G et un clavier de piano.

 

La clef de F

La clef de F est utilisée pour les notes graves et mediums. La clef de F qui positionne la note du même nom sur la 4ème ligne (ici en rouge). Il existe aussi une clef de Fa sur la troisième ligne mais moins fréquemment utilisée.

A partir de la clef et la note de référence qu'elle indique (le F), il est facile d'en déduire les autres notes (celles situées au dessus et au dessous sur la portée). ce sont des notes et seules leurs hauteurs sont modifiées. Il n'y a aucune autre incidence (encore une fois, la position d'une note sur la portée n'a pas d'incidence sur la durée, uniquement la hauteur du son est modifiée). Dans l'exemple ci-dessous, la note C est jouée trois fois de suite, mais à trois hauteurs différentes. La première note est plus grave que la seconde qui est plus garve que la troisième (qui représente C moyen).

Voici une représentation de notes de musique sur une portée en clef de F et un clavier de piano.

 

Etendue de notes de musique sur une portée en utilisant deux clefs

On peut réunir une grande étendue de notes de musique, de la plus grave à la plus aigüe, en mentionnant justement l'utilisation des deux clefs.

 

 

Voici une illustration plus complète et détaillée en utilisant un clavier de piano et pour repère le Do moyen (Middle C).

 

Comment dessiner une portée musicale

Dessiner une portée musicale est une compétence essentielle pour tout musicien. Voici un guide étape par étape sur la façon de le faire.

 

Pour les instruments dont les sons n'ont pas de hauteur comme les percussions, on utilise une portée à une ligne et la clef est représentée par deux barres comme illustré dans la vidéo.

Enfin, les guitaristes utilisent une pourtée à 6 lignes qu'on appelle tablature.

Chaque ligne correspond à une corde et le chiffre représente la case où placer son doigt. Quand le chiffre 0 apparait, alors ce la signifie que la corde doit être jouée à vide.

On ne va pas faire un cours sur la guitare mais les cases sont définies par les frettes, ce sont des petites barres métaliques qui sont sur le manche de la guitare et perpendiculaire à celui-ci.

 

 

 

La signature rythmique est le troisième élément indipensable sur une partition. On a vu juste avant que la portée était le support pour écrire la musique et ses symboles parmi lesquels les notes de musique. Ces notes ont un nom et une hauteur grâce à la clef qui figure au début de toute portée.

Les chiffres indicateurs que vous trouvez juste après la clef permettent deux choses. D'une part, ils permettent de connaitre le nombre de temps par mesure. On est sur la notion de pulsation rythmique. C'est le chiffre du haut, le numérateur. Elles donnent d'autre part une autre information capitale : le nom de la figure de note qui représente un temps. C'est donc la valeur d'un temps, information donnée par le chiffre du bas. Grâce à ces deux éléments, on va pouvoir parler du rythme.

Par exemple, une signature rythmique de 4/4 signifie qu'il y a quatre temps dans chaque mesure, et que chaque temps est égal à une noire. Une signature rythmique de 3/4 signifie qu'il y a trois temps dans chaque mesure, et que chaque temps est égal à une noire.

Grâce à ce chiffrage, la portée est divisée en mesure. Si on reprend l'exemple du 4/4, chaque mesure comporte un équivalent de 4 noires. C'est une mesure. Si on écrire une cinquième note, une noire, ce sera forcément dans la mesure suivante.

Une leçon dédiée au rythme en musique et donc au chiffrage de la mesure est disponible dans les cours de solfège. On y aborde notamment la notion de rythme binaire et ternaire.

La mesure

La vidéo ci-dessous résume les prochains chapitres.

 

Une fois la signature rythmique définie, la portée va se diviser en mesures puisqu'on connait le nombre de temps par mesure. On va le faire à l'aide de barres de mesure représentées par des traits verticaux et perpendiculaires à la portée. Comme vous pouvez le constater ci-dessous, ces barres sont dessinées de la première à la cinquième ligne de la portée.

 

 

L'espace défini entre deux barres de mesure représente une mesure.

 

Pour terminer un morceau, on "ferme" la portée à l'aide d"une double barre.

 

En règle générale et dans une très grande majorité des cas, chaque mesure compte deux, trois ou quatre temps. On parle donc d'une mesure à deux temps, à trois temps ou à quatre temps. Dans chaque mesure, on distingue les temps forts et les temps faibles.

 

Temps forts et temps faibles d'une mesure

Toute mélodie est composée de mesures dans lesquelles il y a des temps forts et des temps faibles sur lesquels viennent se poser les notes d'une mélodie. Il existe donc des mesures à 2, 3 ou 4 temps. La tableau suivant récapitule les 3 type de mesures avec les temps forts et faibles pour chacune d'entre elles.

Pour illustrer les temps forts et faibles selon le nombre de temps par mesure, cette copie d'écran illustre parfaitement la théorie.C'est sur les temps forts que les notes principales de la mélodie et le rythme vont s'appuyer. Un temps fort est donc un temps où les notes sont plus accentuées, plus marquées que sur un temps faible.

Pour aller plus loin, dans chaque temps, il y a un accent fort et un accent faible. Si par exemple on a deux croches, la première aura un accent fort et le deuxième un accent faible. Si on a quatre double croche, chacune a un accent fort ou faible comme expliqué dans la vidéo.

 

Ces notions de temps forts / temps faibles ainsi que les accents forts / accents faibles sont très importants, notamment dans certaines figurent rythmiques comme le contretemps ou la syncope qui sont abordés plus longuement dans les cours de solfège et la section consacrée au rythme.

Les signes de reprise et de renvoi : les barres de reprise, les signes Da Capo (D.C.) et Dal Segno (D.S.)

A une autre époque, on imagine facilement le coût que représentait l'écriture et l'impression d'une partition, que ce soit pour le compositeur que pour la maison d'édition. Alors pour diminuer ce travail, on utilisait et on utilise toujours d'ailleurs des symboles pour les reprises (avec des barres de reprise) ou des signes de renvoi comme le symbole Da Capo (D.C.) ou Dal Segno (D.S. ou DS)..

Les barres de reprise

 

Les barres de reprise sont des double barres avec deux points située soit à droite soit à gauche de celles-ci. Cela indique tout simplement que les mesures entre ceux symboles doivent être jouées deux fois. Notez comme dans cet exemple ci-dessous que la première barre de reprise peut être omise si elle doit être placée en début de morceau. Dans ce cas, on ne la mentionne pas.

Quand on a un passage répété entre les barres de reprise, la plupart du temps, il peut y avoir une fin différente, selon le fait qu'on retourne pour la première au début ou alors qu'on passe à la suite du morceau. Dans ce cas, on indique alors des chifres 1 ou 2 pour préciser justement ce que l'on joue, que l'on soit au premier ou deuxième passage.

 

Les deux notes (Do puis Sol) situées dans la mesure avec le 1. au-dessus doivent être jouées au premier passage mais pas au deuxième. Une fois la reprise effectuée, donc la deuxième foisque ce passage est joué, on sautera cette mesure avec le 1. et on ira directement à la mesure où figure le 2., on jouera donc la blanche.

 

Le renvoi Da Capo (D.C. ou DC)

Le symbole Da Capo (qui peut également s'écrire D.C. ou DC) indique au musicien qu'il doit revenir au début de la partition et rejoué l'ensemble des mesures. Voici avec les repères 1, 2, 3 et 4 la chronologie du jeu.

Le renvoi Da Capo al Fine

On va voir maintenant une petite variante : Da Capo al Fine. Le principe initial est le même : on joue les mesures du début (1) à la fin (2). L'instruction D.C. nous renvoie au début (3) mais au lieu de terminer à la fin, on s'arrêtera justement sur la fin précisée avec le mot "Fine", fin en italien.

 

Le renvoi Da Capo al Coda

Une troisième variante du Da Capo : au lieu de rester sur les mêmes notes, l'instruction Coda va nous extraire en quelques sortes de cette portée pour en rejoindre une autre et cela permettra de terminer le morceau avec d'autres notes que celles jouées auparavant.

Par convention, quand on retourne au début avec l'instruction Da Capo, les reprises ne sont pas effectuées. On pourra même avoir la précision sur la partition : Da Capo senza repliqua. En revanche, il est possible que le compositeur souhaite rejouer les reprises et dans ce cas, on verra la précision : Da Capo con repliqua.

 

Le renvoi Dal Segno (D.S. ou DS)

Ce renvoi est un peu similaire aux barres de reprises. On va jouer une deuxième fois les mesures situées entre les deux symboles.

Voici un exemple. On commence du début (1) et on joue jusqu'au deuxième symbole (2) qui nous renvoie au premier des symboles Dal Segno (3) et on termine à la fin du morceau, c'est à dire la double barre.

On peut aussi avoir l'inscription D.S. ou DS

Le renvoi Dal Segno al Fine

Un peu à l'instar de Da Capo, Dal Signo al Fine permet de revenir au premier symbole et de terminer sur la meure qui porte la mention Fin (Fine).

Le renvoi Dal Segno al Coda

Le renvoi Dal Segdo al Coda permet de venir sur le premier symbole et g

 

Que ce soit pour Da Capo et Dal Segno, on peut avoir l'instruction al Coda. Le symbole Coda que vous pouvez rencontrer est celui-ci.

L'anacrouse

Une partition est divisée en mesure et chaque mesure comporte principalement deux, trois ou quatre temps. On place des figures de notes ou de silences pour respecter le rythme défini par les chiffres indicateurs de mesure (2/4, 6/8, 4/4, 9/8 ...). Bien entendu, il faut respecter à la fois le nombre de temps et le rythme.

Toutefois, pour la première mesure, il n'est pas nécessaire de placer des silences avant les premières notes jouées, on appelle cela "L'Anacrouse". J'ai choisi pour illustrer cela "La lettre à Elise" de Beethoven.

Les chiffres indicateurs (voir les leçons à ce sujet) nous indiquent que chaque mesure fait trois temps et l'unité de temps est la croche. Comme on peut le voir, la première mesure ne comporte que deux doubles croches (soit l'équivalent d'une croche, soit un temps). Il n'est pas nécessaire de placer un soupir (figure de silence équivalente à la noire - soit deux croches) avant pour "combler la mesure".

 

Il faut noter qu bien souvent, la fin du morceau vient "combler" justement ce manque et permet de rétablir l'équilibre. Voici la fin de la partition de la "Lettre à Elise" de Ludwig van Beethoven, on remarque que cela se termine par une croche et un demi-soupir (l'équivalent de la croche en figure de silence). Cette mesure fait donc deux temps, ce qui correspond à ce qui manquait dans la première mesure. Dans ce cas là, si on ajoute les notes de la première et de la dernière mesure, on obtient bien un ensemble de note fidèle au chiffrage de la mesure (ici 3/8).

 

Il y a plusieurs symboles à connaitre ou à repérer sur une partition (Menuet en F majeur de W.A. Mozart).

Ce qu'il faut retenir ...