L'orchestre

Qu’est-ce qu’un orchestre ?

C’est l’union de plusieurs virtuoses de la musique aux compétences instrumentales variées pour donner vie à des chefs-d’œuvre musicaux devant un auditoire.

Faire partie d’un grand orchestre, c’est le projet d’une vie pour beaucoup de musiciens. Sillonner le monde pour interpréter les plus grandes œuvres musicales de tous les temps devant un public constitue une belle expérience professionnelle. De surcroit, le bonheur de faire de la musique au côté d’autres musiciens de haut calibre vient enrichir cette aventure.

Saviez-vous qu’il existe différents types d’orchestres ? Baroque, symphonique, philharmonique, orchestre de chambre, groupe de jazz, fanfare…, la liste est longue. Qu’est-ce qui fait leur différence ? En tout cas, il ne s’agit pas seulement de la taille. C’est une question d’histoire, de registre musical et même de passion.

Ce n’est pas pour rien que l’Orchestre de chambre est nommé ainsi. C’est une appellation lui convient à la perfection. Vous allez vous demander : les musiciens vont-ils réellement jouer dans une chambre. C’est quelque chose de ce genre ! Il s’agit en effet d’un ensemble créé pour jouer dans un espace réduit, comme une chambre ou une suite.

Evolution historique de l’orchestre de chambre

Le terme « chambre » a fait son apparition à la fin de la Renaissance. À l’époque, les gens l’utilisaient pour désigner un ensemble de musiciens qui jouaient hors du théâtre, ce qui n’était pas coutume. Il revêtait donc un aspect plutôt négatif et il était surtout associé au répertoire profane.

Mais au fil du temps, la perception de ce terme a beaucoup évolué. L’appellation « chambre » était alors associée à la taille du lieu de représentation. Il s’agissait d’une suite ou d’une pièce à vivre des nobles d’antan ou d’une petite salle de concert. Plus tard, il désignait un orchestre de cour.

Tout au long de son évolution, le terme « chambre » revêtait un caractère intimiste et cela n’a pas encore changé. Jusqu’à présent, l’orchestre de chambre reste un ensemble de taille modeste qui se reproduit généralement dans un lieu de petite dimension. Il y a donc une certaine proximité entre les musiciens et le public.

Orchestre de chambre : répertoire diversifié

Un orchestre de chambre joue uniquement de la musique classique. Depuis son existence, il est connu pour sa manière experte d’interpréter les œuvres de Mozart, Schubert et Beethoven. Puis, le répertoire du groupe s’est enrichi avec le temps. Cela lui a d’ailleurs permis de se reproduire dans des lieux variés.

Désormais, l’orchestre de chambre joue des cantates, des œuvres datant de l’époque baroque. Ce sont des prières ou des poèmes chantés, dotés d’un thème profane ou sacré. Contrairement aux opéras, les cantates n’ont rien de dramatique.

Les oratorios s’ajoutent aussi dans le répertoire de l’orchestre de chambre. Ce sont des œuvres lyriques dramatiques. Les partitions sont composées de voix solistes accompagnées d’un chœur et d’un ensemble musical. Les morceaux racontent des histoires aux thèmes variés. Au début, elles étaient entièrement tirées de la Bible ou des Evangiles. Autrement dit, l’orchestre de chambre interprétait de la musique sacrée ou de la musique d’églises.

Mais avec le temps, certains groupes ont ajouté dans leurs répertoires des oratorios dotés d’un thème profane. Ce sont des œuvres qui s’inspirent de la mythologie ou des hymnes à la nature. Les musiciens et les chanteurs se mettent à la place du narrateur. L’histoire se raconte sans mise en scène ni décors spécifiques.

Plusieurs œuvres peuvent intégrer le répertoire d’un orchestre de chambre. Parmi les plus grandes compositions, il y a :

Structure et composition de l’orchestre de chambre

Au total, l’orchestre de chambre réunit entre 20 et 50 musiciens regroupés en pupitres. Ils se mettent en diapason sous la direction d’un chef d’orchestre ou du premier violon. Les instrumentistes sont généralement formés par les premiers violons. Ils sont au nombre de trois ou quatre. Puis il y a les seconds violons au nombre de trois, les deux altos, les deux violoncelles et la contrebasse.

Cette composition peut changer selon le répertoire. Parfois, un clavecin vient renforcer les violoncelles et la contrebasse. L’orchestre peut également accueillir quelques instrumentistes d’appoint. Ils apportent plus de charme à l’ensemble avec leurs flûtes, leurs clarinettes, leurs bassons, leurs hautbois, leurs cors, leurs trompettes ou leurs timbales…etc.

Si vous voulez rejoindre un orchestre de chambre, vous devez jouer de l’un de ces instruments. Mais il faut également avoir une grande compétence. Chaque musicien ou chanteur doit en effet participer à une audition.

Quelles sont les différentes formations au sein d’un orchestre de chambre ?

Un orchestre de chambre réunit plusieurs instrumentistes aux spécialités variées. La présence d’un ou de plusieurs chanteurs n’est pas rare. Autrement dit, les combinaisons sont multiples. Parmi les plus courantes et les plus appréciées, il y a le trio baroque. Le groupe associe les sonorités riches d’un violon, d’un violoncelle et d’un clavecin.

Un orchestre de chambre peut aussi former un trio pour piano combinant la douceur du son d’un piano et le ton percutant d’un violon et d’un violoncelle. Le quatuor à cordes, un mélange harmonieux de deux violons, d’un violon alto et d’un violoncelle, est une autre formation très populaire.

Enfin, il y a l’octuor à vent constitué d’une paire de hautbois, d’une paire de bassons, d’une paire de cors et d’une paire de clarinettes.

Déroulement typique d’un concert d’orchestre de chambre

Un orchestre de chambre donne des concerts, nommés coproductions. Étant un groupe de musique de taille modeste, il peut se reproduire partout, même dans les petites salles privées. Les orchestres de chambre ont conservé son caractère intimiste jusqu’à présent.

La durée de la coproduction est de 1h30. Il y a un entracte de 15 à 20 minutes, durant lequel, le public peut se lever pour aller aux toilettes, pour prendre une petite collation ou pour aller saluer les artistes.

Faut-il s’habiller chic lors d’un concert ? En réalité, vous pouvez porter les habits qui vous conviennent. Lors d’un concert, les musiciens feront leur entrée sur scène. Puis, ils prendront place derrière leurs pupitres. Il leur faut quelques minutes de préparation, le temps nécessaire pour chauffer les instruments de musique. Le spectacle peut alors commencer. En général, les applaudissements sont à réserver à la fin de l’interprétation.

Au cours du XVIIe siècle, le domaine de la lutherie a connu une forte progression. Cela a fait grandir la popularité de la musique instrumentale. Cette évolution est à l’origine de la naissance de l’orchestre baroque.

Origines et essor de l’orchestre baroque

Comment définir l’orchestre baroque ? Pour comprendre ce que c’est, il faut déjà évoquer son émergence. Elle a eu lieu entre au début du XVIIe siècle et le milieu du XVIIe siècle, l’époque baroque, ce qui explique le nom du groupe.

C’était une période importante dans l’histoire de la musique. Elle a été marquée par la naissance de nombreux genres musicaux. En effet, la musique classique a évolué sur le plan esthétique. L’architecture des phrases musicales revêtait une forme irrégulière et c’est ce qui caractérise la musique baroque.

Pour orner leurs œuvres, les compositeurs se servaient du contrepoint, ce qui les rendait plus expressives et plus sophistiquées. Ils ont également associé les accords majeurs aux mineurs, les notes graves aux aiguës ainsi que les accords sombres aux clairs. L’ensemble qui interprétait ce genre de musique portait bien le titre d’orchestre baroque.

Répertoire emblématique de l’orchestre baroque

Évidemment, vous trouverez uniquement des compositions datant des XVIIe et XVIIIe siècles dans le répertoire d’un orchestre baroque. Elles sont classées en différentes catégories. Il y a d’abord la musique instrumentale accompagnée d’un choral. Elle est généralement composée de concerto, une œuvre musicale en trois mouvements opposant le soliste au reste de l’orchestre.

Il y a aussi le Concertino qui est une forme brève du concerto et le Concerto grosso opposant un seul instrumentiste au reste des musiciens. La fugue s’ajoute sur la liste. Cette œuvre musicale met bel et bien en évidence le thème « fuite » puisqu’elle est composée de Sujet et de Réponse.

La musique instrumentale inclut également la toccata, une œuvre rythmique dédiée surtout aux instruments à clavier qui s’expriment d’une manière virtuose. Il ne faut pas oublier la sonate, une composition instrumentale à plusieurs mouvements. Enfin, il y a la Suite des danses, un ensemble d’œuvres extraites d’un ballet, d’un opéra ou d’une pièce de théâtre dédiée aux instrumentistes.

Le répertoire de l’orchestre baroque réunit également quelques morceaux de style lyrique composés principalement de cantate. C’est une composition vocale dotée d’un texte profane interprétée par un chœur et un ensemble de musiciens. Il inclut aussi de l’opéra, de la tragédie lyrique et de l’Opéra-ballet.

La musique religieuse vient enrichir le répertoire de l’ensemble musical. Elle inclut différents genres musicaux comme l’antienne qui n’est autre que du chant liturgique et la cantate sacrée. À tout cela s’ajoutent la messe pour orgue, une œuvre musicale née d’une suite de courtes pièces et le motet qui est une œuvre interprétée par plusieurs chanteurs en a capella ou accompagnés par des instrumentistes. Enfin l’oratorio vient compléter la liste. C’est une composition lyrique dramatique jouée par des solistes qui jouent le rôle du narrateur, d’un chœur et des musiciens.

Quelle est la composition d’un orchestre baroque ?

Au début, un orchestre baroque était un ensemble d’instruments datant du Moyen-âge et de la Renaissance. Ce sont généralement des instruments à archet comme des violons. Ils se sont démultipliés avec le temps.  Actuellement, l’ensemble utilise plusieurs pupitres d’instruments.

Il y a d’abord les instruments à cordes frottées comme le violon, le violoncelle, l’alto et la contrebasse. Les instruments à vent incluant les flûtes, les bassons, les hautbois, les trompettes et les cors viennent renforcer l’ensemble. Les timbales apportent du rythme. Certaines œuvres musicales nécessitent toutefois l’utilisation d’instruments harmoniques  comme l’orgue, le clavecin, la guitare baroque et le luth.

Notons que la sélection est sévère pour les musiciens qui intègrent un orchestre baroque. Il faut bel et bien connaître la musique baroque. Mais il faut également être un musicien qui a non seulement de la technique, mais aussi du talent.

Qui sont les compositeurs légendaires pour orchestre baroque ?

Jean-Sébastien Bach et Claudio Monteverdi étaient les plus célèbres. Voilà pourquoi, leurs compositions musicales font partie des incontournables. Mais aujourd’hui, certains groupes ont embelli leurs répertoires avec les œuvres d’autres virtuoses de la musique. Sur la liste, il y a Alessandro et Domenico Scarlatti, Antonio  Vivaldi, Henry Purcell, Marc-Antoine Charpentier, George Philipp Telemann, Jean-Philippe Rameau…etc.

Lors d’un concert donné par un orchestre baroque, vous pouvez donc entendre les compositions de ces compositeurs célèbres. Parmi les œuvres clés, il y a l’Orfeo de Claudio Monteverdi, Messiah d’Haendel et Concerto pour violon en sol mineur, « Les Quatre Saisons : l’été » de Vivaldi.

Ce fut un temps où l’orchestre avait pour principale mission de divertir la cour du roi. Mais depuis la fin de l’époque baroque, tout a changé. La création d’instruments de musique s’est développée. Les compositeurs ont également inventé différentes formes musicales. C’est au cœur de ces nombreuses transformations que l’orchestre symphonique a vu le jour.

Histoire marquante de l’orchestre symphonique

 « Age d’or de la symphonie », la période classique dure entre la seconde moitié du XVIIe siècle jusqu’au début du XIXe siècle. Elle a été marquée par l’évolution de la fabrication des instruments de musique. Les grands compositeurs comme Mozart, Gossec et Haydn ont dû adapter leurs compositions à cette progression. Ils ont alors créé des symphonies.

Notons que le mot symphonie est formé par les termes «sym » qui signifie ensemble et « phone » qui signifie son. Il se traduit par « sonner ensemble ». Un orchestre symphonique est donc une union de voix ou de son. Les musiciens vont jouer de la symphonie, une œuvre musicale comportant 4 mouvements : rapide, lent, menuet, parfois rondo, final et rapide.

Pendant l’époque pré-classique, l’orchestre symphonique réunissait surtout des instruments à cordes. Mais sa taille et sa combinaison ont évolué. Avec l’apparition des symphonies plus riches de Haydn et Mozart, l’effectif devenait de plus en plus important. Il a fallu plusieurs musiciens pour exécuter ces œuvres.

Les concerts avaient lieu dans d’immenses espaces comme les salles d'opéra. Actuellement, les orchestres symphoniques sont devenus des institutions culturelles. Ils sont dirigés par des établissements publics ou des syndicats.

Quel est son répertoire ?

L’orchestre symphonique interprète à la base des œuvres symphoniques datant du XVIIe au XXIe siècle. Elles sont composées de pièces pour solistes et pour un ensemble musical. Elles sont dotées d’un thème profane ou sacré.

Actuellement, de nombreux orchestres ont décidé d’élargir leurs répertoires.  Ils jouent des symphonies comme la célèbre Cinquième symphonie de Beethoven. Ils interprètent également des concertos, des genres de musique mettant en vedette un soliste, accompagné par l’ensemble des musiciens comme le Premier Concerto pour violon de Paganini.

Ils jouent aussi des opéras et des ballets qui sont des histoires racontées par des chanteurs, accompagnés de l’orchestre, des messes et des oratorios. Vous trouverez dans leurs registres des requiems comme le Gloria, l’Agnus Dei et le Lacrimosa du Requiem de Mozart.

Il y a plusieurs œuvres musicales créées spécialement pour les orchestres symphoniques. Sur la liste des compositions les plus connues, il y a :

La structure de l’orchestre symphonique

L’orchestre symphonique se démarque généralement par sa taille. Les musiciens remplissent souvent la scène. Mais en réalité, son effectif est défini selon les œuvres à interpréter. Puisque son répertoire est particulièrement riche, il est normal qu’il dispose d’un effectif important. L’orchestre peut comporter jusqu’à 100 musiciens et même plus, composés notamment de solistes et de tuttistes.

Le premier violon solo se retrouve généralement devant le chef d’orchestre et le public. La disposition des autres musiciens dépend de la configuration du lieu. En général, ils forment un demi-cercle. En revanche, s’il faut présenter un opéra ou un opéra-ballet, les musiciens doivent se placer dans la fosse.

Qu’en est-il de la combinaison de l’orchestre symphonique ? En général, il réunit quatre familles d’instruments. Elles incluent les cordes composées des violons au nombre de 30, des altos au nombre de 12, des violoncelles au nombre de 10, des contrebasses, des harpes et du piano.

Les bois composés des hautbois, des clarinettes, des bassons, des flûtes traversières, des piccolos et des clarinettes sont aussi présents sur scène. Les cuivres incluant les trompettes, les trombones, les saxophones et les cors français, les percussions et le grand orgue complètent la combinaison.

Il faut souligner que les violons sont répartis en deux groupes. Il y a les premiers et les seconds violons. Chaque groupe a un pupitre avec un soliste qui sert de guide. Ils jouent les mélodies, les rythmes complexes et les notes les plus aiguës.  Bénéficiant d’un son plus grave et plus chaleureux, les altos apportent en revanche une touche de profondeur aux airs joués.

Quant aux violoncelles, ils endossent généralement le rôle du soliste. Dotés d’un timbre similaire à celui de la voix humaine, ils peuvent déclencher des émotions avec leur son. Les cuivres et leur sonorité chaleureuse apportent plus de couleur à l’interprétation musicale.

De nombreuses personnes ne savent pas faire la différence entre l’orchestre symphonique et l’orchestre philharmonique. Certes, les deux associations musicales présentent quelques points communs. Toutefois, ce sont deux formations bien différentes. L’orchestre philharmonique a ses spécificités que vous allez découvrir.

Histoire de l’orchestre philharmonique

Avant tout, vous devez comprendre la signification du mot Philharmonie. Il provient du terme grec « phile » qui signifie aimer ou personne qui aime et harmonie qui veut dire union ou agrément. Le mot Philharmonie se traduit donc comme une union de personnes qui aiment la musique. L’orchestre philharmonique est justement né d’un rassemblement de chanteurs et de musiciens qui vouent une grande passion pour leur art. L’esprit de partage est tellement présent.

Quelle est la période d’émergence de ce type d’orchestre ? Elle est estimée avoir lieu entre le XVIIe et le XVIIIe siècle. Des groupes de musiciens amateurs, poussés par l’envie de faire de la musique ensemble, se formaient partout. Il n’y avait donc rien de professionnel.

Mais aujourd’hui, il faut être un musicien professionnel et talentueux pour pouvoir jouer dans un orchestre philharmonique. Ce dernier est même considéré comme un groupe de musique de haut niveau. L’entrée y est très sélective.

Qu’est-ce qui fait sa différence avec l’orchestre symphonique ? Ce dernier est connu comme un groupe de musique composé de tuttistes et de solistes. En revanche, l’orchestre philharmonique joue à l’unisson. Chaque exécutant doit ajuster ses techniques de jeu à l’ensemble pour être en harmonie avec les autres.

Découvrez le répertoire de l’orchestre philharmonique

Pour rappel, l’orchestre symphonique interprète exclusivement les œuvres musicales datant de l’époque classique jusqu’au début du romantisme. Ce sont généralement des symphonies.

L’orchestre philharmonique, quant à lui, possède un répertoire beaucoup plus moderne et plus riche. Il peut interpréter toutes les œuvres musicales des différentes époques. En effet, il peut jouer : les poèmes symphoniques, les cantates, les oratorios, les grands classiques de Schumann, Wagner, Mozart ou encore Beethoven.

Lors d’un concert, l’orchestre philharmonique peut faire vibrer le public avec les œuvres suivantes :

Quelle est la structure de ce type d’orchestre ?

Un orchestre philharmonique n’est pas uniquement formé d’instrumentistes. Il comporte aussi un groupe vocal. Autrement dit, son effectif est très large. Il est dirigé par un chef d’orchestre qui possède trois fonctions spécifiques.

En premier lieu, il donne l’accès aux instruments lorsque les musiciens entrent sur scène. Ensuite, il aide les instrumentistes à maintenir le tempo tout au long de l’interprétation. Le chef d’orchestre indique également le rythme musical adapté à l’œuvre interprétée. Enfin, il dirige l’ensemble pour que les musiciens jouent avec harmonie et de manière expressive.

En d’autres termes, le chef d’orchestre possède un rôle crucial. Il veille à ce que la partition soit interprétée comme il se doit. Les musiciens et les chanteurs sont tenus de rester fidèles à l’esprit original de la composition tout en exprimant leur vision personnelle.

Evidemment, cela n’a rien de simple. Raison pour laquelle, le professionnalisme est l’un des critères pris en compte pour sélectionner les membres d’un orchestre philharmonique. Les exécutants doivent avoir une connaissance poussée de chaque œuvre à interpréter. Il leur faut également du savoir-faire technique et du talent.

Qu’en est-il de la combinaison du groupe de musique ?

Il se compose de 4 catégories d’instruments. Il y a les cordes frottées, pincées ou frappées comme la harpe, les violons, les altos, les violoncelles, les contrebasses et le piano. Au rang des instrumentistes figurent également les spécialistes en percussions frappés ou secoués incluant : les timbales, la caisse claire, la grosse caisse, le triangle et les cymbales.

Le groupe accueille quelques instruments à vent en bois comme les hautbois, les flûtes, les clarinettes et les bassons. Les instruments à vent en cuivre comme les trombones, les trompettes et les saxophones figurent aussi sur scène.

Les orchestres philharmoniques peuvent collaborer avec des chorales. Il leur arrive aussi d’accompagner des artistes de renom. Il se produit généralement dans les grands espaces couverts ou de plein-air. 

L’orchestre de jazz est un groupe de musique assez spécial qui s’adjuge de nombreuses appellations. Son registre est tout à fait différent des autres ensembles musicaux mentionnés précédemment.

Les racines de l’orchestre de jazz

Si vous êtes un passionné de jazz, vous connaissez déjà tout un rayon sur ce style musical. Il a vu le jour au sein de la Communauté Afro-Africaine dans le sud des Etats-Unis. Il a émergé à Storyville, dans La Nouvelle-Orléans de la fin du XIXe siècle. Il a très vite conquis d’autres continents entre les deux guerres.

Selon l’histoire, les esclaves noirs ont inventé des chants qui leur servaient de réconfort pendant la réalisation de leurs corvées. Ils étaient baptisés Worksongs et ils faisaient donc partie des cultures et traditions qu’ils ont emmenées d’Afrique. Puis, leurs propriétaires blancs leur ont appris des chants religieux. Ils vont les chanter à leur propre manière, ce qui a donné naissance au negro spiritual, puis au gospel.

Le jazz s’inspire de ces chants religieux. Il est né d’un métissage musical, ce qui le rend si difficile à définir. Certes, il est né à Storyville, mais en un rien de temps, il s’est répandu dans d’autres villes américaines. Les musiciens ont essayé de dompter ce style musical à leur façon. Cela explique l’apparition de différentes formes du jazz.

Fonctionnement de l’orchestre jazz

Le jazz est bien différent de la musique classique qui prône l’unisson et le respect des règles. Les orchestres traditionnels sont tenus de reproduire une œuvre comme elle a été composée. Ainsi, chaque exécutant doit lire ce qui est écrit dans la partition. Les notes, le tempo, le rythme et les nuances sont à respecter à la lettre. Aucun changement n’est toléré.

Ce qui pourrait distinguer un orchestre traditionnel d’un autre, c’est la qualité de l’exécution du morceau. Un orchestre de jazz ne fonctionne pas de la même manière. Il joue d’une manière libérale.

En effet, chaque musicien use de son inspiration pour créer des variations sur le thème principal. A travers leur musique, ils parlent et expriment une émotion en particulier. Ils n’exécutent pas les notes écrites dans une partition. Ils modifient la combinaison des accords classiques ou ajoutent des notes supplémentaires.
En d’autres termes, ils font de l’improvisation. Mais il n’y a pas de cacophonie. En réalité, pendant l’improvisation, ils arrivent à jouer avec harmonie. Pourquoi ? Tout simplement parce que les musiciens respectent le rythme.

Répertoire de l’orchestre jazz

Le répertoire de l’orchestre de jazz est particulièrement large parce que ce style musical a évolué avec le temps. Il existe 5 grandes époques qui ont marqué son histoire à savoir :

En d’autres termes, le répertoire de l’orchestre jazz s’est donc enrichi au fil des années. Tout a commencé par des improvisations sur les musiques Gospel ou blues. Puis, des œuvres composées par de véritables jazzmen sont nées. Chaque groupe de musique s’en est approprié.

En effet, la façon dont les musiciens ont interprété ces compositions est aussi très différente. C’est grâce à leurs jeux et leurs techniques que différentes identités du jazz sont apparues.

Dans les répertoires des groupes les plus connus, vous pouvez trouver : les standards, du cool jazz, du Hard Bop,du jazz modal, du latin jazz, du soul jazz, du jazz-funk, du jazz fusion, du jazz gitan ou du Jazz Manouche.

Parmi les titres les plus joués et les plus célèbres, il y a le Rhapsody in Blue de George Gershwin et le Concerto pour piano et orchestre en Fa majeur de George Gershwin. Beaucoup d’orchestres de jazz aiment aussi jouer sur scène le Blue Skies d’Irving Berlin, l’American Rhapsody de John Serry et The grand wazoo de Frank Zappa.

La structure de l’orchestre de jazz

Il n’y a pas de règles spéciales concernant la combinaison d’un orchestre de jazz. Mais en général, il est réparti en trois sections principales.

Il y a d’abord la section rythmique qui inclut le pianiste, le batteur et le contrebassiste. La section de cuivres comprenant les trombones, les trombones et les saxophones apporte une touche brillante et plus expressive au groupe. Enfin, la section de bois incluant les instruments à vent en bois comme la flûte et la clarinette ajoute des couleurs supplémentaires aux jeux.

Certes, les musiciens qui composent l’orchestre de jazz travaillent de façon libérale. Toutefois, ils doivent créer un son harmonieux. Tout cela pour vous dire que les musiciens utilisent des techniques précises lors des improvisations. Ils misent par exemple sur la combinaison de notes ou bien la synchronisation des rythmes. Autrement dit, certaines règles ont été instaurées avec le temps. Néanmoins, le talent compte toujours.

Par ailleurs, peu importe sa taille et sa combinaison, le groupe est dirigé par un chef d’orchestre. C’est grâce à ce dernier que les musiciens jouent d’une manière bien ordonnée. Il est aussi chargé de diriger les improvisations. Voilà pourquoi les musiciens peuvent communiquer entre eux.

Combinaisons instrumentales au sein de l’orchestre de jazz

Comme vous l’avez compris, il existe une structure de base. Mais il y a aussi une large palette de combinaisons possibles. Raison pour laquelle, l’orchestre de jazz peut avoir différentes appellations.

Il y a entre autres le groupe de jazz appelé aussi combo, formé de 3 à 8 musiciens, L’orchestre porte le nom de quartet ou quatuor lorsqu’il est formé de 4 ou 5 exécutants. Il est baptisé Big band ou grand orchestre de jazz s’il comporte 17 à 20 instrumentistes comme l’Orchestre National de Jazz. Enfin, il est nommé brass band s’il est uniquement composé de cuivres. Ce dernier comporte 28 musiciens en général.

Porteuse de bonne humeur, c’est ainsi que la fanfare est surnommée. Vous pouvez la croiser dans la rue et dans les fêtes de ville. S’agit-il réellement d’un orchestre ? Quelle est sa particularité ?

L’histoire de la fanfare

Ce fut après la Seconde Guerre Mondiale, alors que l’Europe était en pleine reconstruction, que la fanfare a connu une forte popularité. Il faut dire que le désir de paix a favorisé la naissance de différents partenariats dans plusieurs domaines.

Les gens se retrouvaient donc dans les rues pour faire la fête et les musiciens étaient de la partie. Ils adoraient jouer ensemble et ils formaient une sorte d’orchestre connue sous le nom de fanfare. La fanfare de l’époque était constituée majoritairement de cuivres. Des percussions incluant la caisse claire, la cymbale et la grosse caisse venaient parfois les renforcer.

Lorsque le groupe de musique inclut des musiciens qui jouaient des bois, il devient alors une harmonie-fanfare. Cette nouvelle forme de l’orchestre s’est vite développée. Elle est même devenue une norme puisqu’il est difficile de réunir plusieurs musiciens jouant un même type d’instruments.

Il est important de souligner que la fanfare n’est pas vraiment née d’après-guerre. Elle existait depuis le Moyen-âge. Aujourd’hui, elle possède une place prépondérante dans le monde de la musique.

Les caractéristiques de la fanfare

Une fanfare, c’est quoi au juste ? C’est un ensemble de musiciens qui interprète des airs traditionnels ou populaires. Il s’agit d’un orchestre de rue. C’est pourquoi, il s’est adjugé du titre de marching band et d’orchestre déambulatoire. En général, les fanfares animent les fêtes de la ville, les carnavals, les festivals, les défilés militaires et les parades de rue.

Dans la plupart des cas, les musiciens jouent tout en marchant. Ils portent généralement les mêmes habits. Cela fait partie du spectacle. Voulez-vous assister à un concert de fanfare ? Plusieurs évènements réunissent des fanfares ou des marchings bands comme :

Le riche répertoire de la fanfare

Au départ, les fanfares jouaient les œuvres des compositeurs pour orchestres à vent comme Wilhelm Zehle. Ce dernier a composé une marche au style anglais intitulée Europe United. Au cours du XXe siècle, des compositeurs ont créé des œuvres originales pour les fanfares. Il faut citer entre autres la fantaisie Bonjour d’Europe du compositeur Belge Laurent Delbecq. C’est une œuvre qui reprend les airs européens les plus connus en 1991.

L’European Folk Rhapsody du compositeur américain, Andrew Balent et l’European Opening des compositeurs français Désiré Dondeyne et Mickey Nicolas sont aussi très appréciés dans le milieu.

Le répertoire évolue avec le monde des orchestres à vent. Des formations et des concours ont d’ailleurs eu lieu, ce qui a permis aux groupes de musique de perfectionner leur manière de jouer.

À chaque compétition, de nouvelles œuvres avec un niveau de difficulté accru sont présentées. Tout cela a permis la formation de fanfares de prestige ou des orchestres professionnels.

Composition et variétés de la fanfare

La fanfare est composée uniquement de cuivres. Mais certains orchestres sont composés d’autres instruments. La fanfare peut être formée de grosse caisse qui va apporter le rythme, de tambour, de trompette de cavalerie, de cor de chasse accordée en Mi bémol et de clairon. Elle comporte quelques cymbales, de l’accordéon et du soubassophone.

Mais avec le temps, plusieurs formes de fanfare ont vu le jour. Il y a par exemple de la batterie-fanfare, de la fanfare de jazz ou encore de l’harmonie-fanfare. La différence repose sur les instruments utilisés et le style musical joué.

Intégrer une fanfare est beaucoup plus simple. Dans de nombreuses communes, cela est considéré comme une activité de loisir. L’orchestre est donc accessible à tout individu de tout sexe et de tout âge. La seule condition est de savoir jouer d’un instrument de musique. Toutefois, il existe des groupes professionnels qui appliquent un processus de sélection strict. Ils accueillent uniquement des musiciens professionnels.

 

En définitive, l'orchestre n’est pas qu'une simple assemblée de musiciens. C'est un véritable carrefour de cultures, d'émotions et d'innovations qui continue d'enchanter, d'inspirer et d’émouvoir les auditoires. N'est-ce pas fascinant de penser à tout ce que ces artistes peuvent communiquer, simplement en harmonisant leurs instruments ? Les écoles de musique jouent un rôle crucial dans ce processus. Elles dévoilent les secrets, les nuances, mais aussi les techniques spécifiques à chaque type d'orchestre. On y apprend aussi les fondements du solfège. Celui-ci aide à avoir une meilleure compréhension de la structure musicale, ce qui permet aux musiciens de jouer ensemble avec précision et harmonie au sein d’un orchestre.