Histoire de la musique - La Renaissance

La période de la Renaissance s’étend du XVe siècle au XVIIe siècle. Elle est marquée par la musique médiévale du Moyen-âge à son commencement et la musique baroque vers la fin de la période. La musique de la Renaissance se caractérise par sa composition et son écriture, ses textes et ses paroles,  la gamme et le tempérament dans lequel la musique est composée.

À cette période, la diffusion de la musique dans les écoles, les conservatoires et les places de représentation est plus élargie. Et différents styles de musique se contrastent et se succèdent. À la Renaissance, divers instruments sont créés pour ajouter à ceux qui sont hérités du Moyen-âge.

Découvrons les spécificités de la musique de cette époque à travers la composition et l’écriture, les textes, les paroles ainsi que la tendance de la gamme.

 

Les caractéristiques de la musique de la Renaissance

La composition et l’écriture

Dans la musique médiévale, les accords étaient composés à partir des seules combinaisons quartes, quintes et octaves. Puis, à l’ère de la Renaissance commence à se généraliser d’autres intervalles, les tierces et les sixtes, pour élargir la combinaison de sons et d’accords.

Dans l’écriture musicale, de nouvelles formes naissent : le contrepoint et la diminution ou l'ornementation improvisée. Le contrepoint est la superposition organisée de lignes mélodiques distinctes avec des dissonances contrôlées. Et la diminution ou l’ornementation improvisée est un procédé dans l’écriture polyphonique qui consiste à raccourcir le chant et à orner la mélodie. Elle fut introduite en Italie.

Les textes et les paroles 

À la Renaissance, la musique est dominée par l’influence des chants religieux et des chants mondains. La musique religieuse de cette période est dominée par les hymnes et cantiques populaires des premiers chrétiens, les psaumes, et les chants grégoriens. Mais de même que les courants de pensée, les textes des chansons sont influencés par la tendance humaniste de l’époque.

Les textes et poésies s’ouvrent à plus de mondanité et s’adonnent à l’admiration du corps humain, de son esprit et de l’univers qui l’entoure. C’est en se détachant  peu à peu du domaine du sacré que le madrigal, forme de musique vocale, voit le jour en Italie. Et à partir de ce moment, plus de diversification dans les chants se fait remarquer : des chants humoristiques ou qui parlent d’anecdotes, des chants de danse et d’amour.

Tendance de la gamme à la Renaissance 

La gamme pythagoricienne et la gamme de Zarlino marquent cette période. Ce sont les gammes dans lesquelles ont été composées les œuvres musicales de cette époque. La gamme pythagoricienne se construit sur les intervalles de quintes alors disponibles en ce moment. Et lorsque d’autres intervalles sont introduits pour compléter la gamme, alors, celle mésotonique se construit en diminuant les quintes afin d’améliorer la justesse des tierces.

 

La diffusion de la musique à la Renaissance

Pendant la Renaissance, la diffusion des œuvres musicales s’étend un peu plus qu’avant. Et les échanges avec les autres pays de l’Europe sont plus fréquents grâce à l’invention de l’imprimerie, des tablatures et des autres méthodes de notation et d’enregistrement des partitions.

Les écoles de musique de la Renaissance 

Il est difficile de le situer à une date précise, mais l’histoire retrace l’ouverture des premières écoles de musique et de chant avec l’entrée du christianisme en Europe vers le IVe siècle. La musique et les chants trouvent alors leurs premiers succès dans les églises et furent promus dans l’intention de diffuser l’évangile.

Ce sont les chants grégoriens qui dominent et deviennent le standard de cours de musique sacrée de l’époque. Cependant, les formations musicales n’étaient pas accessibles à tout le monde. Seulement les personnes choisies pour le faire étaient autorisées à fréquenter une école de musique.

Le système de notation et le Solfège

Le système de portée est encore différent de celui utilisé de nos jours et les notes sont dessinées en forme de carré, d’ovale ou de losange. Il y a eu la notation noire ancienne en carré pour codifier les anciens chants religieux et les chants grégoriens. Puis, la notation blanche, invention de la Renaissance pour écrire les œuvres contemporaines de l’époque, ceux qui ne sont pas religieux : le chant madrigal et les musiques mondaines.

Pendant la Renaissance, pour enseigner et apprendre la musique, différentes écoles voient le jour avec leurs propres systèmes d’écriture. Lorsque la musique instrumentale commence à être populaire, de nouvelles méthodes  d’apprentissage et de recueil aussi s’imposent.  C’est alors que sont créées les tablatures au XVIe siècle pour faciliter l’apprentissage  de la musique.

Les tablatures permettent de jouer une œuvre musicale sans solfège. Ce sont les joueurs d’instruments à cordes qui y avaient plus recours. Les lignes des tablatures représentent chacune les cordes de l’instrument. Elles indiquaient par des numéros au musicien où il devait mettre ses doigts. Les tablatures rendent plus facile la lecture des partitions et contribuent en même temps à la réalisation d’œuvres polyphonique contemporaine à cette époque.

Les œuvres musicales 

Avec cette nouvelle méthode d’écriture, la Renaissance enregistre déjà de nombreux recueils de chants comme le chansonnier cordiforme des années 1470 : un manuscrit orné et richement illustré recueillant 43 chants français et italiens. Ou l’Odhecaton imprimé à Venise vers 1501 qui est à la fois un document de musique polyphonique, mais aussi un corpus de dance. Ou encore l’Orchésographie : traité sur l’apprentissage de la danse et première œuvre méthodique au sujet du tambour.

 

Les styles de musique de la Renaissance 

Dans cet intervalle de temps se manifestent différents styles qui se contrastent et se succèdent. L’Italie s’avère être le foyer de la création musicale avant d’influencer l’Angleterre puis les régions espagnoles et franco-flamandes.

La monodie et la polyphonie 

La monodie ou monophonie est une mélodie exécutée à une voix avec ou sans accompagnement. Elle se développe en Italie, précisément en Florence dans l’intention de faire revivre les formes dramatiques et musicales de la Grèce antique.

En contraste avec la monodie, la polyphonie est la combinaison de plusieurs mélodies, ou de parties musicales chantées ou jouées en même temps. Elle se développe à Venise. C’est un style polychoral impliquant plusieurs chœurs de chanteurs et plusieurs instruments jouant en même temps. Le concept est révolutionnaire à l’époque. Il produit un effet de sons grandioses et spectaculaires et influencera le genre musical de toute l’Europe. C’est ce qui va marquer le début de la période baroque en musique.

La musique vocale et la musique instrumentale

La musique vocale de cette période est copiée de la musique grecque antique tirée des textes et des récits anciens.  Le modèle esthétique vocal persiste pendant la moitié de la période avant de voir naitre la musique instrumentale.

La musique instrumentale fut composée et interprétée soit avec des instruments musicaux de la même famille : d’où la musique instrumentale en consort  soit, avec des instruments de familles différentes d’où la musique instrumentale en Broken consort.  

La musique sacrée et la musique profane ou madrigal

La Renaissance est l’apogée la musique polyphonique et l’entrée de la musique instrumentale. Elle est aussi le témoin de l’évolution de la musique sacrée vers la musique mondaine. Cette dernière rencontre plus de succès que les chants et cantiques religieux de l’époque dont les paroles sont complexes. Appelée aussi musique séculière ou mondaine, la musique profane a des paroles simples et claires qui sont préférées à celles de la musique sacrée.

 

Les instruments de musique  de la Renaissance

Alors que des instruments sont hérités de la période médiévale, beaucoup en furent créés pendant la Renaissance.

 

Si, historiquement parlant, la Renaissance marquait la fin du Moyen-âge et de l'époque médiévale, elle se traduisait aussi par une renaissance artistique. Elle venait d’Italie, ce qui, manifestement, était traduit par l’essor et l’essaimage de la musique italienne à travers l’Europe.