Histoire de la musique classique

La période de la Renaissance s’étend du XVe siècle au XVIIe siècle. Elle est marquée par la musique médiévale du Moyen-âge à son commencement et la musique baroque vers la fin de la période. La musique de la Renaissance se caractérise par sa composition et son écriture, ses textes et ses paroles,  la gamme et le tempérament dans lequel la musique est composée.

À cette période, la diffusion de la musique dans les écoles, les conservatoires et les places de représentation est plus élargie. Et différents styles de musique se contrastent et se succèdent. À la Renaissance, divers instruments sont créés pour ajouter à ceux qui sont hérités du Moyen-âge.

Découvrons les spécificités de la musique de cette époque à travers la composition et l’écriture, les textes, les paroles ainsi que la tendance de la gamme.

Les caractéristiques de la musique de la Renaissance

La composition et l’écriture

Dans la musique médiévale, les accords étaient composés à partir des seules combinaisons quartes, quintes et octaves. Puis, à l’ère de la Renaissance commence à se généraliser d’autres intervalles, les tierces et les sixtes, pour élargir la combinaison de sons et d’accords.

Dans l’écriture musicale, de nouvelles formes naissent : le contrepoint et la diminution ou l'ornementation improvisée. Le contrepoint est la superposition organisée de lignes mélodiques distinctes avec des dissonances contrôlées. Et la diminution ou l’ornementation improvisée est un procédé dans l’écriture polyphonique qui consiste à raccourcir le chant et àorner la mélodie. Elle fut introduite en Italie.

Les textes et les paroles 

À la Renaissance, la musique est dominée par l’influence des chants religieux et des chants mondains. La musique religieuse de cette période est dominée par les hymnes et cantiques populaires des premiers chrétiens, les psaumes, et les chants grégoriens. Mais de même que les courants de pensée, les textes des chansons sont influencés par la tendance humaniste de l’époque.

Les textes et poésies s’ouvrent à plus de mondanité et s’adonnent à l’admiration du corps humain, de son esprit et de l’univers qui l’entoure. C’est en se détachant  peu à peu du domaine du sacré que le madrigal, forme de musique vocale, voit le jour en Italie. Et à partir de ce moment, plus de diversification dans les chants se fait remarquer : des chants humoristiques ou qui parlent d’anecdotes, des chants de danse et d’amour.

Tendance de la gamme à la Renaissance 

La gamme pythagoricienne et la gamme de Zarlino marquent cette période. Ce sont les gammes dans lesquelles ont été composées les œuvres musicales de cette époque. La gamme pythagoricienne se construit sur les intervalles de quintes alors disponibles en ce moment. Et lorsque d’autres intervalles sont introduits pour compléter la gamme, alors, celle mésotonique se construit en diminuant les quintes afin d’améliorer la justesse des tierces.

La diffusion de la musique à la Renaissance

Pendant la Renaissance, la diffusion des œuvres musicales s’étend un peu plus qu’avant. Et les échanges avec les autres pays de l’Europe sont plus fréquents grâce à l’invention de l’imprimerie, des tablatures et des autres méthodes de notation et d’enregistrement des partitions.

Les écoles de musique de la Renaissance 

Il est difficile de le situer à une date précise, mais l’histoire retrace l’ouverture des premières écoles de musique et de chant avec l’entrée du christianisme en Europe vers le IVe siècle. La musique et les chants trouvent alors leurs premiers succès dans les églises et furent promus dans l’intention de diffuser l’évangile.

Ce sont les chants grégoriens qui dominent et deviennent le standard de cours de musique sacrée de l’époque. Cependant, les formations musicales n’étaient pas accessibles à tout le monde. Seulement les personnes choisies pour le faire étaient autorisées à fréquenter une école de musique.

Le système de portée est encore différent de celui utilisé de nos jours et les notes sont dessinées en forme de carré, d’ovale ou de losange. Il y a eu la notation noire ancienne en carré pour codifier les anciens chants religieux et les chants grégoriens. Puis, la notation blanche, invention de la Renaissance pour écrire les œuvres contemporaines de l’époque, ceux qui ne sont pas religieux : le chant madrigal et les musiques mondaines.

Pendant la Renaissance, pour enseigner et apprendre la musique, différentes écoles voient le jour avec leurs propres systèmes d’écriture. Lorsque la musique instrumentale commence à être populaire, de nouvelles méthodes  d’apprentissage et de recueil aussi s’imposent. C’est alors que sont créées les tablatures au XVIe siècle pour faciliter l’apprentissage  de la musique.

Les tablatures permettent de jouer une œuvre musicale sans solfège. Ce sont les joueurs d’instruments à cordes qui y avaient plus recours. Les lignes des tablatures représentent chacune les cordes de l’instrument. Elles indiquaient par des numéros au musicien où il devait mettre ses doigts. Les tablatures rendent plus facile la lecture des partitions et contribuent en même temps à la réalisation d’œuvres polyphonique contemporaine à cette époque.

Les œuvres musicales 

Avec cette nouvelle méthode d’écriture, la Renaissance enregistre déjà de nombreux recueils de chants comme le chansonnier cordiforme des années 1470 : un manuscrit orné et richement illustré recueillant 43 chants français et italiens. Ou l’Odhecaton imprimé à Venise vers 1501 qui est à la fois un document de musique polyphonique, mais aussi un corpus de dance. Ou encore l’Orchésographie : traité sur l’apprentissage de la danse et première œuvre méthodique au sujet du tambour.

Les styles de musique de la Renaissance 

Dans cet intervalle de temps se manifestent différents styles qui se contrastent et se succèdent. L’Italie s’avère être le foyer de la création musicale avant d’influencer l’Angleterre puis les régions espagnoles et franco-flamandes.

La monodie et la polyphonie 

La monodie ou monophonie est une mélodie exécutée à une voix avec ou sans accompagnement. Elle se développe en Italie, précisément en Florence dans l’intention de faire revivre les formes dramatiques et musicales de la Grèce antique.

En contraste avec la monodie, la polyphonie est la combinaison de plusieurs mélodies, ou de parties musicales chantées ou jouées en même temps. Elle se développe à Venise. C’est un style polychoral impliquant plusieurs chœurs de chanteurs et plusieurs instruments jouant en même temps. Le concept est révolutionnaire à l’époque. Il produit un effet de sons grandioses et spectaculaires et influencera le genre musical de toute l’Europe. C’est ce qui va marquer le début de la période baroque en musique.

La musique vocale et la musique instrumentale

La musique vocale de cette période est copiée de la musique grecque antique tirée des textes et des récits anciens.  Le modèle esthétique vocal persiste pendant la moitié de la période avant de voir naitre la musique instrumentale.

La musique instrumentale fut composée et interprétée soit avec des instruments musicaux de la même famille : d’où la musique instrumentale en consort  soit, avec des instruments de familles différentes d’où la musique instrumentale en Broken consort.

La musique sacrée et la musique profane ou madrigal

La Renaissance est l’apogée la musique polyphonique et l’entrée de la musique instrumentale. Elle est aussi le témoin de l’évolution de la musique sacrée vers la musique mondaine. Cette dernière rencontre plus de succès que les chants et cantiques religieux de l’époque dont les paroles sont complexes. Appelée aussi musique séculière ou mondaine, la musique profane a des paroles simples et claires qui sont préférées à celles de la musique sacrée.

Les instruments de musique  de la Renaissance

Alors que des instruments sont hérités de la période médiévale, beaucoup en furent créés pendant la Renaissance.

Si, historiquement parlant, la Renaissance marquait la fin du Moyen-âge et de l'époque médiévale, elle se traduisait aussi par une renaissance artistique. Elle venait d’Italie, ce qui, manifestement, était traduit par l’essor et l’essaimage de la musique italienne à travers l’Europe.

La provenance du mot baroque est portugaise. Le mot désignait à l’origine le caractère de l’œuvre et de l’architecture qui venait de naitre du mouvement artistique du même nom en Italie à ce moment. Ce n’est que plus tard vers 1950 que ce nom fut attribué aussi à la réforme musicale de la même période.

Le mouvement artistique du baroque suit celui de la Renaissance et précède le Classique. Il commence au début du XVIIe siècle et se termine au milieu du XVIIIe siècle. Le Baroque aura duré 150 ans.

Le mouvement nait en Italie avant de se répandre vers les autres pays d’Europe. Il se caractérise par l’abandon du contrepoint et de la polyphonie pour évoluer vers un style plus enrichi et davantage expressif  qui marque le début de l’harmonie classique.

 

Les caractéristiques de la musique baroque

La composition et l’écriture

Le baroque est un style très contrasté. Dans sa forme d’écriture, il oppose les notes tenues avec les notes courtes, les notes graves avec les notes aiguës ou encore les accords sombres avec les accords clairs. Il se distingue aussi par les contrastes dans sa composition entre accords majeurs et accords mineurs, pratiques retenues plus tard dans l’harmonie classique.  La musique baroque est aussi marquée par l’utilisation de la basse continue dans les musiques instrumentales afin de limiter les variantes harmoniques dans les interprétations des accords.

La tendance de la gamme

La tendance de la gamme est influencée par la succession des tons de la polyphonie ecclésiastique et des gammes tempérées. Après les gammes de Pythagore et de Zarlino utilisées pendant la Renaissance, les gammes tempérées sont introduites après des observations sur les inégalités des intervalles dans une octave. Les gammes tempérées résultent de procédés et de compromis visant à répartir de façon égale et uniforme les discordances afin que la gamme soit la plus juste possible.

 

La diffusion de la musique

• Les écoles de musique
  

  C’est pendant la période baroque que les écoles commencent à émettre les traités et les théories de la musique. Ces théories devaient être rigoureusement respectées par les musiciens et en devenir les premières règles de base de l’harmonie.  Figurent parmi ces œuvres, les « Règles de composition » de Marc Antoine Charpentier, l’ « Abrégé de la musique » de René Descartes, le « Traité d’accompagnement et de composition » de François Campion, le « Traité de l’harmonie réduite à ses principes naturels » de Jean Philippe Rameau avec d’autres œuvres telles que le « Nouveau système de musique théorique » et la « Génération harmonique ou traitée de musique théorique et pratique ».

• Apprendre la musique baroque en conservatoire
  Il y fut connu à cette époque un style de musique appelé « contrepoint ». Un style bien différent de ceux qui ont été célèbres pendant cette période. C’est un peu un style qui sortait de l’ordinaire, et qui a bien eu des adeptes. Il est suivi par le style harmonique plus tard pour faire émerger la polymélodie. La musique baroque a été caractérisée par plusieurs contrastes musicaux.
• Le système de notation et le solfège
  Durant cette époque, on utilisait surtout l’ornement comme système de notation. En fait, c’est une sorte d’agrément aussi appelé des notes secondaires, qui servait surtout d’accompagnement à la note principale. En d’autres points, il s’agit d’une variation de notes appartenant à l’accord principal pour ainsi servir d’harmonisation.
  En ce qui concerne le solfège, la valeur diffère largement de la notation actuelle par rapport à l’époque baroque. Par exemple, si de nos jours, on joue les croches de manière égale, à l’époque Baroque, la 2ème est plus discrète.
• Les compositeurs et œuvres musicales baroques
  

  Beaucoup de compositeurs de la période baroque ont écrit leurs œuvres à la demande de leurs commanditaires : rois, chef d’église ou maitres.  Ils étaient moins des artistes libres que des fabricants de musique à la demande. Parmi les compositeurs qui ont marqué la période du baroque, il y a :

  • Les Italiens Giuseppe Tartini, Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti et, Claudio Monteverdi qui fut un des premiers promoteurs du baroque à travers ses œuvres. Ou encore, Antonio Vivaldi dont les œuvres connaissent plus de succès vers la fin de la période.
  • Les Français, Marc Antoine Charpentier, Jean-Philippe Rameau, Jean Baptiste Lully et François Couperin.
  • Les Allemands, Johann Sebastian Bach dont les œuvres sont admirées et reproduites pendant toute la période classique. Il est l’auteur de « La passion selon Saint Matthieu ». Puis, Johann Pachelbel et Georg Philipp Telemann.
  • Les Anglais, Henri Purcell et Georg Friedrich Haendel compositeur anglais d’origine allemande qui écrit « Le Messie ». Il est connu pour avoir su assimiler les différents styles du baroque et les interposer dans ses œuvres et compositions.

Les styles de musique baroque

La musique instrumentale qui apparaît pendant la Renaissance se développe et croît. Ses structures, ses formes expressives et ses possibilités techniques s’étendent davantage pendant la période du baroque et ne se limitent plus au seul accompagnement vocal. De même, le système de contrepoint, forme d’écriture musicale polyphonique, initiée à la Renaissance, perdure avant de donner la place à une forme plus garnie et améliorée du Baroque.

Le Baroque devient le style sophistiqué de l’époque. Il se développe progressivement sous des formes enrichies par des notes d’embellissements ou ornementations, par des techniques d’improvisation et d’accompagnement et par l’introduction de groupes de solistes dans l’orchestre. C’est, à partir de ces diversifications que naissent les différents styles du baroque et sont classifiés à partir du genre de musique : instrumentale, lyrique ou religieuse.

Comme musique instrumentale, il y a le choral, le concerto grosso, le concertino, le concerto, la toccata, la fugue, la sinfonia, la sonate, la suite de danses, le tombeau.

• Le concerto est la technique de dialogue qui oppose le soliste au reste de l’orchestre.
• Le concertino, de par sa traduction de l’italien, signifie est une œuvre musicale plus brève que le concerto.
• Le concerto grosso est une forme musicale instrumentale mettant en opposition un instrument seul avec plusieurs instruments ou bien le soliste avec le reste de l’orchestre.
• La toccata est un genre de composition rythmique et virtuose pour les instruments à clavier.
• La fugue est une forme d’écriture musicale qui utilise les méthodes du contrepoint et de l’imitation.
• La sinfonia est une composition instrumentale qui se traduit par symphonie, mais qui est antérieure à celle-ci.
• La sonate est une pièce ou une composition instrumentale de musique classique à plusieurs mouvements.  C’est la variété du baroque qui va donner forme à la symphonie.
• La suite de danses est un ensemble ordonné de pièces instrumentales extraites d’un opéra, d’un ballet ou d’une pièce de théâtre.
• Le tombeau est un œuvre musicale composée en hommage à une personne importante morte ou vive.

Quant à la musique lyrique, elle se compose de la cantate profane, l’opéra, la tragédie lyrique et, l’opéra-ballet.

• La cantate est une composition vocale avec un texte profane suivie d’un accompagnement instrumental et assisté par un chœur.
• L’opéra est une œuvre musicale qui met en scène des personnages qui chantent leurs rôles. C’est la forme de théâtre musical qui va connaitre le plus de succès et persister au-delà de la période baroque.
• La tragédie lyrique et l’Opéra-ballet sont des genres musicaux lyriques purement français.

 

En ce qui concerne la musique religieuse, elle comprend l’antienne, la cantate sacrée, la messe pour orgue, le motet, l’oratorio et, la passion

• L’antienne est un chant liturgique utilisée par l’Église Catholique de l’époque.
• La cantate sacrée est une composition vocale avec un texte sacré suivie d’un accompagnement instrumental et assistée par un chœur.
• La messe pour orgue est une composition musicale constituée d’une suite de courtes pièces.
• Le motet est une composition musicale à une ou plusieurs voix qui sont accompagnées ou non  par des instruments.
• L’oratorio est une œuvre lyrique dramatique composée d’un narrateur, de quelques solistes, d’un chœur et d’un orchestre symphonique.
• La passion est une composition musicale tirée de la passion du Christ et interprétée par des solistes, un chœur ou un orchestre.

Les instruments de musique baroque

Certains instruments hérités de la période du Moyen-âge et de la Renaissance vont disparaitre à cette époque pendant que d’autres vont se créer ou évoluer dans leurs formes, leurs techniques d’exécution et leurs ingéniosités.

Les instruments qui intéressent le plus les compositeurs pendant la période baroque sont les flutes à bec, les violes de gambe, le cornet à bouquin, les clavecins, le luth, le théorbe et, l’orgue, instrument privilégié des églises.

La forme musicale baroque prendra fin vers le milieu du XVIIIe siècle, mais son engouement perdure et renait chez les passionnés au cours des siècles qui se succèdent. Ce sont d’abord les musiciens chercheurs du XIVe siècle qui s’adonnent à cette entreprise. Ils ont reproduit les œuvres répertoriées et les ont retranscrites. Puis, ils ont réétudié les traités d’exécution, recherché les principes les plus justes pour interpréter les œuvres et fabriqué des copies des instruments d’époque.

Et ensuite, ce sont les chercheurs et musicologues du début du XXe siècle qui regagnent l’intérêt pour le baroque et font renaitre cet art musical en étudiant l’un de ses plus grands compositeurs, Johann Sebastian Bach.  Les répertoires baroques ont resurgi et les œuvres reproduites ou compilées dans des livres et des disques.

La musique classique répertorie l’ensemble de la musique qui a été composée après la fin de la période baroque et avant la période romantique.

La période Classique commence entre le milieu du XVIIIe siècle et se termine vers 1820. La musique classique se caractérise par la domination du piano comme instrument phare dans les compositions et l’avènement des grands artistes Mozart et Beethoven.

La structure des orchestres reste dans un premier temps la même que celle de la période précédente. Les compositeurs, eux, se libèrent un peu plus de l’influence des commanditaires et mécènes dans leurs créations et expriment un peu plus les passions humaines, la révolte et la violence des sentiments. 

Les caractéristiques de la musique classique

La composition et l’écriture

Le XVIIIe siècle est influencé par la quête du changement dans les courants de pensée. Le domaine de la musique n’y échappe pas. Les compositeurs cherchent de nouveaux styles pour rénover les règles et créer de nouveaux effets de surprise et d’émotion auprès de l’audience.

C’est à la période du classique que se distinguent les rôles d’interprète et de compositeur. Le compositeur peut écrire des œuvres qui ne seront pas interprétées par lui. Ils ont eu recours au procédé du pastiche dans l’écriture : un procédé qui consiste à réutiliser les matériels d’une œuvre  pour l’écriture d’une autre.
La forme d’écriture musicale de la période classique est plus ingénieuse est précise. Les œuvres sont alors interprétées et composées de façon plus parfaite qu’à la période baroque. A l’ère du classique, ce sont les méthodes d’Antonio Vivaldi, George Philipp Telemann ou Bach qui influencent les compositions et les pratiques de la musique dans les écoles.

Le système de contrepoint est laissé au profit de nouvelles méthodes qui créent des mélodies soutenues par une harmonie formée d’accords autonomes. La musique classique utilise des techniques musicales plus élaborées et enregistre un plus grand répertoire. Les partitions sont notées pour pouvoir être transmises aux générations futures d’interprètes. C’est alors à cette période que naquît le terme de répertoire : recueil de plusieurs compositions.

Les textes et les paroles

Pendant la période du classique, l’emprise de l’église sur les créations artistiques et notamment musicales se fait déjà moins influente depuis le mouvement de laïcisation de la culture. Les créations sous toutes ses formes sont d’ores et déjà autonomes et la dimension matérielle de l’homme est prônée plus qu’avant.

Tendance de la gamme

Dans chaque style du classique, la tendance varie. Les uns se composent avec les accords mineurs comme le « Sturm und Drang » tandis que les autres avec les accords majeurs.

La diffusion de la musique

Les écoles de musique

Les écoles de musique ont évolué depuis l’école de Notre Dame ou de Saint Martial avec leur conception mathématique de la musique et leur théorie pythagoricienne des gammes. La théorie de l’harmonie de l’école franco-flamande s’est développée depuis les  grands mouvements polyphoniques du XIVe siècle nés des traités ars antiqua et ars nova. C’est ce qui va révolutionner les règles de composition dans les écoles européennes.

A cette époque, les écoles de musique étaient subventionnées par les hauts commanditaires et la bourgeoisie aisée : rois, églises, nobles et hauts dignitaires. La musique profane se transmettait oralement à défaut de cet appui. Alors que la musique classique, à ce moment considéré comme grand et savant, jouissait  déjà de l’intérêt de faire partie du système éducatif. L’enregistrement de la musique était déjà bien structuré pour être transmis au fil du temps et enseigné dans les écoles.

A Vienne, c’est l’école de Mannhein fondée en 1750 par Johann Stamitz qui est réputée grâce à son invention de la symphonie. Ailleurs, ce sont les écoles de Sammartini à Milan, de Gossec à Paris et de Weigenseil à Vienne qui vont promouvoir ce style.

Le système de notation et le Solfège

La musique classique est composée de façon plus claire et simple par rapport à l’époque baroque.  La composition et l’écriture musicale se fait sur des formes variées et diverses telles que la forme sonate, la forme Lied, le menuet et le scherzo, la forme rondo et, la forme « thème et variation ».

Les compositeurs et les œuvres musicales

La période du classique est dominée par les compositions des Autrichiens Wolfgang Amadeus Mozart et Franz Joseph Haydn, de l’allemand Ludwig van Beethoven, des fils de Johann Sebastian Bach : Wilhelm Friedemann Bach, Carl Philipp Emanuel Bach et, Johann Christian Bach. Et, des Italiens Boccherini, Gioachino Rossini et Giuseppe Verdi.

Gluck réforma l’opéra tandis que Johann Stamitz créa l’Ecole de Mannhein et inventa la symphonie telle qu’elle est connue aujourd’hui. Les fils de Bach firent le lien entre le style baroque des œuvres de leur père avec le classique des compositeurs Haydn et Mozart. En Italie, Muzio Clementi excella dans la composition avec le piano. Et, Luigi Boccherini était renommé dans la composition de quintettes à cordes avec le violoncelle.

Les œuvres qui ont marqué cette période sont, entre autres :

Les styles de musique classique

A l’ère du classique les styles comme le concerto grosso ou les suites de danses sont abandonnés et d’autres styles sont préférés comme la sonate classique, le concerto de soliste ou la symphonie. Principalement, ce sont la sonate, l’opéra, le concerto, la symphonie et le quatuor à cordes qui sont  les styles les plus prisés dans la création du classique. Mais d’autres styles aussi sont nés.

Dans le genre religieux, le classique a fait évoluer les formes musicales sacrées de la période baroque. L’oratorio et la messe sont reproduits avec un caractère plus symphonique et accompagné par un choral.

Les instruments de musique à l’époque classique

A la période du classique, les instruments sont plus sophistiqués.  Les orchestres sont constitués principalement d’instruments à cordes comme les violons, les altos, les violoncelles, les contrebasses et des instruments à vent tels que les flûtes traversières et les hautbois.

Le basson, le cor, la timbale, la trompette et la clarinette sont déjà d’actualité à cette époque et font leur entrée dans les symphonies. En même temps, le piano a pris la place du clavecin et le violoncelle de la viole. Les tambourins, les rigaudons et les musettes accompagnent les tragédies lyriques ou pastorales. Alors que le contrebasson et le trombone accompagnent uniquement l’opéra et les musiques sacrées.

Histoire de la musique - Romantique

La période du romantisme se prolonge durant tout le XIXe siècle. Sur le plan historique ou économique, c’est l’ère de la restauration et des révolutions qui amène beaucoup de progrès sur le plan scientifique et industriel. Et, sur le plan musical, le romantisme est un mouvement révolutionnaire qui touche toute l’Europe.

Les caractéristiques des œuvres du romantique sont la passion, la sensibilité, les sentiments, les rêveries, le fantastique et l’irrationnel. La musique romantique est un genre musical composé dans le but de susciter les émotions dans ses formes les plus connues.

Déjà dans la période classique, le mouvement  allemand « Sturm und Drang », traduit par orage et passion, en a montré les prémices de cette musique tumultueuse et passionnée. Les compositeurs contemporains s’y sont prêtés à ce style initié en grande partie par Beethoven avec ses œuvres de « musique absolue ».

La période du romantisme se divise en trois parties : le début du romantisme s'étend jusqu’en 1830. Ensuite, son apogée est en 1850. Et, pour finir avec le romantisme tardif à la fin du siècle, et au post-romantisme vers le siècle suivant.

Les caractéristiques de la musique romantique

La composition et l’écriture

Au début de la période, l’influence du classique reste ancrée dans les compositions des œuvres de certains compositeurs comme Schubert, Schumann ou Brahms pendant que d’autres cherchent les émotions musicales et instrumentales plus fortes et explicites.  À cette ère où la musique n’est plus un art mineur, l’individualité des styles est très prisée.

Si la musique classique était encore un peu réservée dans l’expression de sentiments, le romantisme, lui, apporte une nouvelle forme d’écriture musicale en repoussant un peu plus les limites.  En effet, la musique classique traduisait à cette période la sérénité et la légèreté alors que la musique romantique se veut plus passionnée.

La musique romantique doit alors traduire et exprimer les passions humaines, la profondeur des sentiments, les sentiments de joie, de colère, de tristesse, de désespoir, de colère, de révolte et d’exaltation. Et tout ça avec passion. Dans la production de cette musique, l’ardeur des sentiments du compositeur se reflète dans son œuvre et dépasse tout entendement à en tourmenter l’âme de son auditeur.

Le langage musical

Dans le langage musical, ce sont les récits qui content les amours, les passions et la tourmente des hommes qui prennent une grande place. Et, les compositeurs s’inspirent des grands œuvres littéraires de l’époque pour composer leurs musiques avec l’instrument phare qu’est le piano.

Le langage musical est assez complexe, les compositeurs développent les sons qui imitent ceux de la nature avec leurs instruments.  Ils s’expriment avec plus d’harmonie, de mélodie et de rythme. À la période du romantisme, la virtuosité est un maître mot.

La diffusion de la musique romantique

Ecoles de musique romantique

Les écoles de musique romantique en France, les écoles de musique à l’ère du romantique sont dominées par deux courants musicaux. Le courant post-wagnérien regroupant les élèves de César Frank : Vincent d’Indy, Ernest Chausson, Henri Duparc, ainsi que par Emmanuel Chabrier et Albéric Magnard.  Et, le courant classique et académique représenté par Camille Saint-Saëns, Gabriel Fauré, Édouard Lalo, Georges Bizet, Léo Delibes, Paul Dukas.

Le système de notation et le solfège

La cadence n’est plus improvisée par l’interprète, mais elle est écrite par le compositeur.

Les compositeurs et les œuvres musicales

Les compositeurs qui ont marqué cette période du romantisme sont :

• En Allemagne et en Autriche, les artistes Carl Maria von Weber, Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms et Richard Wagner qui représentent cette période. Également compositeurs de la saison du « grand symphoniste allemand ». Franz Schubert était réputé pour la composition des sonates, impromptus et moments musicaux. Robert Schumann pour les œuvres Papillons, Davidsbündlertänze, Carnaval, études symphoniques, Scènes d'enfants, Carnaval de Vienne et, Fantasiestücke. Et, Johannes Brahms pour ses sonates, rhapsodies, intermezzos, fantaisies et, danses hongroises.
• En France, ce sont Hector Berlioz et le polonais Frédéric Chopin. Frédéric Chopin  composait des préludes, études, nocturnes, mazurkas, valses et Polonaises.
• Et, en Italie, le romantisme est représenté par les compositeurs d’opéra Gaetano Donizetti, Gioachino Rossini, Vincenzo Bellini et Giuseppe Verdi.
• Sans oublier l’illustre Ludwig van Beethoven qui fut de la période du classique, mais dont les œuvres influencèrent pour beaucoup le style romantique.
• Et aussi les autres compositeurs Piotr Ilitch Tchaikovski, Georges Bizet, Gabriel Fauré, Antonín Dvořák, Franz Liszt, César Franck, Gustav Mahler, Bartholdy, Weber, Bruckner, Puccini, Paganini, Rachmaninov, Rimski-Korsakov, Borodine, Moussorgski, Scriabine, Saint-Saëns, Gounod, Bizet, Dukas, Delibes, Grieg, Sibelius, Dvorak, Vieuxtemps, Elgar, Hoffmann, Bizet, Cui, Balakirev, Dvorak, Smetana, Grieg, Sibelius, Debussy et Strauss.

Les musiciens se démarquent dans leur dextérité et leur virtuosité à cette période. Franz Liszt pour le piano, et Niccolò Paganini pour le violon. À la période du romantique, la symphonie est amenée à son apogée par Ludwig van Beethoven. Et, il fait apparaitre les premières manifestations du romantisme musical avec la création de la musique absolue.

En se défaisant des influences de ses mécènes, il put se libérer dans ses inspirations. Ses œuvres telles que la série des 32 sonates pour piano furent une grande révolution dans le domaine musical à cette époque.

Émancipation du compositeur à l’ère du romantique

Dans leurs créations, les musiciens veulent s’affranchir de l’emprise de leurs commanditaires et mécènes : rois, haute bourgeoisie et églises pour évoluer dans des thèmes qui les passionnent. Chose qui resta encore difficile, car faute d’appui financier, il est difficile pour les artistes de vivre sans commandes.

Seuls quelques musiciens pouvaient se libérer de cette dépendance et, par leur notoriété, s’offrir les services des organisations preneurs de leurs offres. Tel est le cas pour Mozart ou Beethoven, musiciens libres et dépendants qui mettent l’aristocratie, admiratrice de leur travail, à leurs services.

Évolution de la fonction

Les rôles du compositeur s’élargissent. Les musiciens interviennent aussi dans d’autres domaines tels que l’écriture comme Berlioz, Schumann et Wagner. Ils deviennent facilement des interprètes des œuvres de leurs contemporains comme le font Chopin ou Liszt. Et, avec la demande des écoles, ils se transforment aussi en théoriciens comme Berlioz.

Les styles de musique romantique

Le romantisme reprend tous les genres et styles de musique classique en les adaptant aux valeurs de la révolution romantique. La « symphonie » créée pendant la période classique évolue avec des formes plus riches et plus élaborées grâce aux avancées apportées sur le système harmonique et tonal. Et l’ « opéra», lui, dépasse les frontières de l’Italie pour s’importer vers les autres pays européens. De nouveaux styles sont également créés tels que le lied, le poème symphonique et le drame musical.  

Les formes musicales évoluées

Ce sont les styles importés de la période du classique et qui se sont enrichis au cours des années avec les améliorations au cours des siècles précédents.

• La symphonie du romantique remplace le concerto grosso du classique. Beethoven en fit l’une des formes musicales les plus privilégiées du répertoire classique. Et, Haydn modela sa forme pour faire d’elle la symphonie connue du monde moderne. Sa forme a évolué jusqu’au début du XXe et épouse des variétés imaginées par les compositeurs. La symphonie devient la plus prestigieuse de la musique romantique et la plus prisée des compositeurs.
• La symphonie vocale est une transformation de la symphonie, une œuvre instrumentale interprétée par un soliste sur un fond lyrique poétique.
• La symphonie pour instrument soliste est une autre évolution musicale de la symphonie quand les compositeurs écrivent des symphonies sur un seul instrument. À cette époque, ce fut pour le piano et l’orgue.
• Le concerto hérité de la période classique évolue dans son thème et son esthétique. Il va permettre aux compositeurs d’exprimer leur virtuosité dans un instrument.
• L’opéra romantique dont Paris est le foyer est un des dérivés de l’opéra français

Les nouvelles formes musicales

Ce sont les formes qui se sont créées à l’issue de l’imagination affranchie des compositeurs.

• La musique absolue ou musique pure est une musique instrumentale exécutée dans la forme la plus pure sans accompagnement vocal pour exprimer les émotions du compositeur.
• La musique à programme, contrairement à la musique absolue, s’interprète avec un accompagnement vocal. Elle décrit des thèmes comme la poésie, les récits ou la littérature et engendre les formes de poème symphonique.
• Les musiques de chambre étaient, à la période du romantisme, une forme très prisée de représentation grâce auxquelles les artistes pouvaient transmettre à leur audience l’intimité de leurs sentiments.
• Le poème symphonique est un genre musical composé pour un orchestre symphonique portant sur des sujets d’ordre littéraire, philosophique, pictural ou descriptif. Il est accompagné d’un chœur ou d’une voix de soliste qui raconte l’histoire au long de la musique. Le poème symphonique se décline plus tard en raison d’une volonté de dissocier les compositions musicales de l’influence littéraire.
• Le lied, de sa traduction littérale : chant, est un poème qui se chante avec l’accompagnement d’un piano ou d’autres instruments musicaux. Son origine est allemande. Le lied fait partie du genre musical de la petite forme par opposition à la symphonie qui, elle, fait partie du genre grand forme. Le lied était composé sur plusieurs thèmes tels que l’amour, les voyages ou la nuit. Le lied est apparu avec l’évolution du piano forte et c’est souvent l’instrument qui l’accompagne.
• Les formes de piano romantique
  Puisque le piano s’est trouvé au cœur de la création des compositeurs de cette époque, cet instrument a introduit de nouvelles formes dans la musique classique. Des formes dites du « piano romantique ». Ce sont la sonate, le prélude, les études, la ballade, le nocturne, le scherzo, la fantaisie, la fugue, l’impromptu et les pièces de dance.
  • La sonate est la forme essentielle de musique pour piano.
  • Le prélude est une pièce musicale qui sert à introduire une œuvre instrumentale ou théâtrale.
  • L’étude est une pièce destinée à parfaire la technique d’exécution du piano, mais qui est une œuvre d’art à part entière.
  • La ballade est une pièce instrumentale narrative.
  • Le nocturne est une musique portant sur le thème de la nuit ou qui se joue la nuit. C’est une composition mélodique et mélancolique.
  • Le scherzo est un morceau vif et divertissant.
  • La fantaisie est une composition musicale à forme libre.
  • L’impromptu est une composition musicale à forme improvisée.
  • La fugue est une forme d’écriture musicale libre et moins rigoureuse.
  • Les pièces de danse sont des compositions musicales qui se sont inspirées des rythmes et pas de danse telle que les valses, les mazurkas ou, les Polonaises.

Les instruments de musique du romantisme

Le romantisme est l’air de la musique instrumentale et le piano l’instrument à l’honneur. Avec la naissance de la musique absolue ou musique pure, les instruments sont mis au chœur de l’orchestre au sein duquel ils prennent une place très importante.

L’orchestre

Dans un orchestre produisant une musique pure, par exemple, ce sont les instruments qui vont traduire et exprimer toutes les nuances d’expressions et de sentiments que le compositeur veut transmettre à son audience. Et c’est grâce à la disponibilité d’une importante palette d’instruments que le compositeur a pu transporter son audience dans ses inspirations.

L’orchestre est plus élaboré, plus complexe. Elle se base de la virtuosité de chaque instrument pour en tirer la pétulance et, faire ressortir de plus fortes sensations auditives. Dans un orchestre, le piano remplace définitivement le clavecin tandis que les autres instruments sont conçus avec des sonorités plus élaborées.

Les instruments

Avec les genres de musique variée qui sont nés, l’orchestre du romantique est doté des instruments qui vont transmettre fidèlement les inspirations du compositeur à son audience. Il se compose de violons, violoncelles, altos, contrebasses, flûtes traversières, hautbois, clarinettes, bassons, cors, trompettes et timbales, triangle, grosse caisse, cymbales et piccolo.

Le piano et le violon sont au cœur de la création musicale. Ils sont devenus les instruments de prédilection  des compositeurs et leur partie se joue désormais sur des partitions écrites et non plus de façon improvisée. La harpe fit son entrée à la période classique et, se joue désormais dans les orchestres symphoniques comme l’orgue et le célesta.

Histoire de la musique : l'époque moderne (XXème siècle)

La musique moderne est celle de la fin du XIXe siècle vers 1870 jusqu’à la Seconde Guerre mondiale. L’époque moderne est caractérisée par l’ère du développement de tout genre y compris dans les domaines techniques et artistiques de la musique. Le monde de la musique profite de cet élan et utilise les progrès technologiques de l’époque en faveur de son développement.

Quant aux compositeurs, ils veulent s’affranchir des règles musicales anciennes et recherchent constamment de nouveaux procédés d’organisation de la musique. De nouveaux genres de musique vont apparaître un peu partout dans le monde comme le blues, le gospel ou le jazz aux États-Unis.

Les musiciens sont curieux de se découvrir et ils adoptent les styles et influences de leurs paires pour créer des genres musicaux nouveaux.

Les caractéristiques de la musique moderne

La composition et l’écriture

À la période moderne, les musiciens chercheurs étaient en quête permanente de nouveaux codes d’écriture de la musique qui peuvent transposer les compositions. La tonalité se verra élargie puis déclinée amenant à une toute nouvelle conception du temps musical. Le système modal et la série dodécaphonique furent alors exploités.

Les compositions musicales de la période furent élaborées à partir de ces trois principes : la tonalité, la modalité et la série dodécaphonique.

La tonalité et la modalité

Tous deux des langages musicaux nés des siècles précédents, la musique modale s’oppose à la musique tonale qui utilise uniquement les gammes des deux modes : les gammes majeures et les gammes mineures.

La série dodécaphonique

Elle est conçue par Arnold Schönberg en 1923. C’est une série d’intervalles de douze sons qui ne se répètent pas et qui ont chacun la même importance dans la gamme. Une série qui servira à la transcription des sons et l’arrangement des flux de mélodies de façon encore plus structurée. La série dodécaphonique peut être utilisée sous différentes formes pendant  la composition:

• la forme droite ou originelle,
• la forme rétrograde ou en récurrence lorsque la série est prise par la fin,
• la forme miroir ou en renversement lorsque l’intervalle ascendant devient descendant et vice versa et,
• la forme rétrograde du miroir ou en récurrence du renversement.

 

C’est à partir de la série dodécaphonique qu’est née la musique dodécaphonique. Un genre musical écrit à partir des techniques de composition se basant sur les six tons et des douze demi-tons de la gamme chromatique. Le style dodécaphonique est d’abord adopté par les élèves de Schönberg avant de toucher les autres musiciens de l’époque.

Le système de notation et le solfège

Si la notation musicale par le solfège a toujours existé depuis le moyen-âge, on peut considérer cela comme dû à l’efficacité de cette technique. Toutefois, d’autres styles de notations ont vu le jour selon l’usage de l’instrument de musique pour faciliter davantage la lecture des notes et le jeu de cet instrument. Tel est le but principal de ce système de notation, depuis son existence à ce jour. On peut ainsi parler de tablature pour la guitare à titre d’exemple.

La diffusion de la musique moderne

Les écoles de musique

L’École de Vienne est l’école en vogue. Elle est née des mouvements qui rassemblent les compositeurs partageant le même style musical. L’école regroupe des écrivains et des compositeurs qui viennent pour l’accueil et la douceur de la ville. Wagner y retourna six fois, Brahms la visitait souvent, Hugo Wolf, Bruckner et Mahler y restèrent, tandis que Johann Strauss contribua à donner à la valse de Vienne sa réputation d’aujourd’hui.

Il y eut l’École de Vienne et la seconde École de Vienne. Elles furent nommées ainsi pour distinguer la première de la seconde. La première inclut Mozart, Haydn, Beethoven et Schubert. Et, la deuxième, elle, est celle de Arnold Schönberg et ses élèves Alban Berg et Anton Webern.

Dans les écoles, c’est la culture du pluralisme des styles qui sont en vogue. Diversité, créativité, originalité sont les maîtres-mots. L’originalité des genres musicaux est encouragée ainsi que l’étude et l’apprentissage de la musique des autres pays. L’accession à l’enregistrement musical profite aussi aux écoles et permet la facilité de l’apprentissage de la musique.

L’invention de l’industrie de la musique

Grâce aux avancées technologiques de la période. La musique peut s’enregistrer et son écoute peut être différée et répétée. L’époque moderne témoignera de l’invention de l’électricité, de l’enregistrement sonore en 1877 puis du phonographe et du gramophone. Le phonographe est le premier appareil de reproduction de la musique. Il permet de reproduire les sons grâce à un procédé mécanique. Tandis que le gramophone, ancêtre du tourne-disque, est un appareil permettant de jouer un morceau de musique enregistré sur un disque.

Les inventions vont se succéder tout au long du siècle et la diffusion de la musique va s’étendre avec l’arrivée de la radiodiffusion. Ce sera le début de l’industrie musicale et elle va permettre à la musique de se populariser et devenir une culture de masse  avec l’avènement des disques.

Les compositeurs et les œuvres musicales de la période moderne

En Europe, les compositeurs qui marquent la musique moderne sont :

• Albert Roussel, Claude Debussy, Erik Satie, Maurice Ravel, Paul Dukas, Déodat de Séverac, Arthur Honegger, Darius Milhaud, Francis Poulenc, Georges Auric, Louis Durey, Germaine Tailleferre et, Jean Cras en France. Le groupe « les six » est créé par des compositeurs français comprenant Auric, Durey, Honegger, Milhaud, Poulenc et Tailleferre
• Richard Strauss, Paul Hindemith, Carl Orff, Kurt Weill, Argentine et,Alberto Ginastera en Allemagne
• Gustav Mahler, Arnold Schönberg, Alban Berg et Anton Webern en Autriche
• Manuel de Falla en Espagne
• Jean Sibelius à la Finlande
• Béla Bartók et Zoltán Kodály en Hongrie
• Ferruccio Busoni, Ottorino Respighi, Gian Francesco Malipiero et, Alfredo Casella en Italie
• Karol Szymanowski en Pologne
• Georges Enesco en Roumanie
• Edward Elgar, Frederick Delius, Ralph Vaughan Williams et, Benjamin Britten au Royaume-Uni
• Alexandre Scriabine, Sergueï Rachmaninov, Igor Stravinsky, Sergueï Prokofiev et, Dimitri Chostakovitch à la Russie
• Bohuslav Martinu et Alois Hába en Tchécoslovaquie

Et, dans les autres pays, ce sont :

• Charles Ives, Edgar Varèse, Georges Gershwin, George Antheil, Aaron Copland et Samuel Barber aux États-Unis.
• Heitor Villa-Lobos au Brésil.
• Carlos Chávez et Silvestre Revueltas au Mexique.

 

La période moderne est d’abord précédée par le postromantique. Ce sont les compositeurs comme Debussy ou Ravel qui marquent cette période en France. L’un, pour avoir fait des recherches sur la musique séquentielle et l’autre, pour son ouverture à la diversité musicale. Ou encore, comme Richard Wagner, Gustav Mahler et Richard Strauss pour avoir élaboré des nouvelles règles d’écriture tonale qui seront adoptées par leurs congénères.

Dans les autres pays, la guerre entraîna la fuite des musiciens européens vers les États-Unis. Les compositeurs comme Igor Stravinsky, Arnold Schönberg, Edgar Varèse et Darius Milhaud sont parmi ceux qui sont partis en Amérique où ils ont pu accéder au progrès technique.  Par la même occasion, ils sont devenus des professeurs de musique dans les écoles prestigieuses et, ont contribué à développer les orchestres les plus réputés des États-Unis.

Les styles de musique moderne

Au début de la période, c’est le style wagnérien qui se répand. Puis, la tendance donne la place à la découverte musicale. Les musiques des pays créaient l’engouement pour d’autres et de nouveaux compositeurs se font découvrir.  En 1889, Paris fit découvrir au public la musique arabo-andalouse et la musique indienne pendant l’Exposition universelle parisienne.

Le pluralisme stylistique de la période moderne

La période moderne, contrairement aux autres périodes, ne connait pas d’unité de style. C’est la période d’exploration des genres. Beaucoup de compositeurs s’essaieront à cette ouverture stylistique tandis que d’autres garderont une attitude conservatrice des styles des époques précédents. Debussy, par exemple, composera de la musique sur l’influence orientale dont les harmonies seraient raffinées et les sonorités évocatrices, nuancées et rythmées. Sa musique s’inscrira dans le courant impressionniste très expressif.

La musique moderne est riche dans ses styles grâce à l’introduction de nouveaux genres musicaux venant de différents pays et de différentes cultures.  La musique occidentale s’est ouvert aux influences des rythmes, des sonorités, des mélodies et des techniques de la musique espagnole, arabe, africaine, asiatique et indienne. Un mélange osé d’expérience sonore et esthétique qui aura alors inspiré beaucoup des compositeurs modernes.

Les nouvelles formes de musique moderne

À l’ère de la modernité, l’originalité est promue et encouragée plus que tout. Et, beaucoup de compositeurs trouvèrent le succès dans la composition d’œuvres individuelles très originales. Dans la foulée, le style musical de la période moderne est à la croisée des différents styles musicaux de chaque pays.  Dans cette pluralité, de nouvelles approches sont utiles pour pouvoir catégoriser les styles  et les structurer autour d’une organisation musicale qui serait comprise de tous.

C’est alors que des approches musicales furent élaborées à partir des mouvements littéraires de l’époque comme le symbolisme, le réalisme, le futurisme, le primitivisme, l’expressionnisme, le folklorisme, l’impressionnisme,  le néo-classicisme, le pointillisme,  le cubisme, le sérialisme, le surréalisme.

Les instruments de musique moderne

Le monde musical connaitra le même essor des progrès technologiques du monde industriel. En 1919, le Théréminvox, un des premiers instruments électroniques, est inventé. En 1930, la guitare électrique est créée aux États-Unis. Elle accompagne les orchestres de Jazz et contribue à faire évoluer la musique amplifiée. Ce n’est que vers 1960 que tous les instruments seront amplifiés et permettront de créer de nouveaux genres musicaux comme le Rock and roll et ses dérivés.